Tony Austin

P: ¡Hola Tony! Por favor, cuéntanos brevemente cómo la música llegó a tu vida.

Nací y crecí en Los Ángeles, y ambos de mis padres eran músicos. Mi padre era baterista, y yo iba a verlo tocar en los años 70 y 80; tocaba música popular. Así que probablemente tomé las baquetas por primera vez cuando tenía unos tres años, y en algún momento también tuve una batería de juguete. Pero mis padres se separaron cuando yo tenía siete años y mi padre ya no estuvo realmente presente durante mucho tiempo. Entonces mi madre se encargó de que recibiera clases formales y me metió en distintos programas musicales. Tocando en conciertos locales en clubes de jazz y restaurantes, con los años empecé a tocar cada vez más de forma profesional.
En algún momento conocí a Ricky Washington —el padre de Kamasi—; tocamos juntos en un concierto. Me habló de su hijo y me dijo que quería que improvisáramos juntos. Lo recuerdo muy bien porque Kamasi es un nombre muy particular. En ese entonces Kamasi tenía unos 14 o 15 años, pero mi oído ya me decía hacia dónde iba y que, en algún momento, iba a ser realmente impresionante.

P: ¿Crecieron en el mismo barrio?

No, para nada. Los Ángeles es una ciudad enorme: puedes conducir dos horas en una dirección y seguir sin haber salido de la ciudad. La comunidad musical, sin embargo, es bastante pequeña. Cuando éramos niños había muchos programas financiados de forma privada donde nos cruzábamos, y también nos encontrábamos en jam sessions.
Había dos clubes de jazz: uno era propiedad de un tipo llamado Richard, que vivía en Skid Row, pero que un día consiguió un préstamo y abrió un club llamado District Six. A la vuelta de la esquina había otro lugar llamado The World Stage. Su dueño, Billy Higgins —que era baterista y más tarde se convirtió en un buen amigo— solía estar ahí todo el tiempo. Así que muchos de nosotros, chicos y jóvenes adultos, pasábamos horas allí.

P: ¿Cuántas horas practicabas al día en esa época?

Probablemente entre seis y siete horas. Cuando eres joven y quieres llevarlo más lejos, básicamente tienes dos opciones: jazz o percusión clásica. A mí me parecía más emocionante tocar jazz, así que fui por ese camino. También tocaba vibráfono y marimba, y durante mucho tiempo hice marching en una drumline. Intenté trasladar todos esos fundamentos a la batería, y al mismo tiempo escuchaba muchísima música diferente.
Mi madre también escuchaba mucho jazz y música contemporánea en casa; no cosas populares entre otros chicos ni lo que sonaba en la radio. De todos modos, creo que no encontré realmente mi voz propia en el jazz hasta que estaba en la secundaria, cuando escuché un disco de Miles Davis en el que tocaba Tony Williams. Ahí fue cuando pensé: “¡Oh! Esto sí es diferente”, y empecé a ir más en esa dirección.

P: ¿Por qué Tony Williams se convirtió en una influencia y una guía tan fuerte para tu forma de tocar? ¿Llegaste a conocerlo?

Tony era simplemente único, y lo que hizo especialmente en los años 60 captó totalmente mi atención. Escuché a todo tipo de bateristas, pero en mi opinión él era más expresivo y siempre intentaba mantener una conversación musical con los miembros de la banda. Me entusiasmaba la forma en que interactuaban entre ellos.
En algún momento, Billy Higgins —el dueño del club del que hablamos antes— me dijo: “¡Hombre, Tony Williams viene a la ciudad, déjame presentártelo!”. Pero Tony falleció apenas dos días antes.

P: ¿Cuándo y dónde conociste a Miles Mosley?

Nos conocimos cuando él tenía unos 15 años y, alrededor de 2009, conseguimos una residencia en un lugar llamado The Piano Bar en Hollywood. En realidad nadie estaba escuchando lo que tocábamos; era pura música de fondo. Así que en vez de sufrir la indiferencia del público dijimos:
“Al carajo, vamos a experimentar y a hacer cosas que normalmente no haríamos en un concierto, porque total nadie está escuchando. ¿A quién le importa si cometemos errores?”
El dueño del club no era muy estricto con lo que tocábamos, así que usamos ese lugar para hacer evolucionar nuestra música y llevarla a nuevos territorios. Mucha de la música que Kamasi hace hoy y nuestra comunicación en el escenario nacen de esa época.

P: ¿Hoy en día descubres nuevos artistas a través de redes sociales o YouTube que te hagan pensar: “¡Guau, esto es genial!”?

Bueno, hay de todo ahí fuera que puede resultar atractivo. El tema es que yo soy músico y estudio música constantemente. Los descubrimientos musicales… son complicados, porque analizo la música todo el tiempo. A veces me interesa alguien por razones compositivas o de producción, y entonces investigo quiénes están detrás.
Ya no es una sensación tan emocionante; se trata más bien de aprender y descubrir nuevas técnicas. Se siente más como parte del trabajo, aunque es un trabajo que hago con muchísima pasión. Y escucho música todos los días.

P: ¿Cómo entraste en el mundo de la grabación y el estudio?

Después de que mis padres se separaron, mi madre decidió inscribirme en un programa llamado Big Brother. Ahí emparejan a un niño con un “hermano mayor” que actúa como mentor. Se supone que se ven una vez por semana y te llevan al parque, a Disneyland o a donde sea.
Cuando me inscribí, querían saber cuáles eran tus intereses para emparejarte con alguien afín. A mí me tocó un tipo llamado Roger Linn, quien había inventado la primera caja de ritmos programable, la LM-1. Lo conocimos cuando empezó a trabajar para AKAI, y yo iba a su casa una vez por semana y jugaba con su estudio. Ahí aprendí a programar drum machines, a trabajar con un secuenciador MIDI y a grabar múltiples pistas en cinta. Tener acceso a tecnología que en ese momento era de vanguardia era increíblemente divertido.
Más adelante Roger me consiguió un controlador MIDI y una computadora IBM bastante mala con Cakewalk, y de repente empecé a hacer mis propias pistas. Me sorprendía que a la gente incluso le gustaran. En algún punto empecé a grabar bandas en la secundaria, donde había un estudio que casi nadie sabía usar. También grababa bandas en casa con ADAT y una pequeña consola Mackie. Luego llegaron los compresores, las reverbs, y seguí expandiendo y desarrollando ese talento.

P: Como baterista e ingeniero de estudio, ¿cómo proteges tus oídos de la pérdida auditiva?

Sorprendentemente no tengo tanta pérdida auditiva como debería, aunque definitivamente he tocado fuerte. No estoy en una banda de rock como, digamos, Metallica, donde tocarías dos horas seguidas a un volumen brutal. Además, no uso auriculares ni escucho música fuerte en casa.
Mezclar e ingenierizar no consiste en oírlo todo, sino en oír las cosas con mucha precisión. Se trata de enfocarse en ciertos detalles. Para mí es un poco como leer: leer un libro no es solo leer palabras, sino entender lo que dicen. Con la música es lo mismo: ¿qué está intentando decirme?

P: Comparando “Heaven and Earth” de Kamasi con el más reciente “Fearless Movement” a nivel sonoro, ¿tienes alguna preferencia? “Fearless Movement” tiene una respuesta de graves fantástica y parece tener un “pegamento” diferente en la imagen estéreo, mientras que “Heaven and Earth” suena más aireado y en vivo.

Grabamos en dos estudios diferentes. Fearless Movement se grabó en Sunset Sound con una consola Neve. En general pasamos más tiempo en ese disco, también por el Covid. Ambos álbumes se grabaron digitalmente en Pro Tools, pero luego se mezclaron en una SSL con hardware analógico: ecualizadores reales, compresores reales, procesamiento analógico real. Lleva más tiempo, pero suena mejor, y eso es lo que cambió drásticamente el sonido desde The Epic hasta Heaven and Earth y nuestro trabajo más reciente.
En Fearless Movement tampoco tuvimos coro ni arreglos orquestales, lo que deja más espacio. Y siempre —en cada disco— grabamos a nuestra banda base en vivo, así que lo que yo toco, o Brandon, o Miles, o Kamasi, va moldeando la música en tiempo real. Creamos el vibe en el estudio e improvisamos con nuestros instrumentos. Luego Kamasi hace los overdubs, Patrice graba sus voces, y así sucesivamente.

P: La mayoría de los miembros del colectivo WestCoastGetDown, del cual formas parte, han lanzado discos solistas. ¿Cuándo sale el tuyo?

Para ser honesto, hacer un disco no es solo cuestión de pasión, también es un negocio. Grabar un disco cuesta mucho dinero. Inviertes tiempo y esfuerzo, y mi intención es recuperar parte de esa inversión. Así que el desafío es qué tipo de disco va a comprar la gente y cómo lo voy a vender. Es un estudio constante y, con suerte, pronto dará como resultado un lanzamiento.

*P: Hablemos de tu performance en vivo. Tocas un solo de batería cada noche. ¿Los planeas un poco con antelación? ¿Hay ciertos chops que quieras mostrar al público?*

Intento no cargar ideas preconcebidas ni planear un solo de antemano. Nuestra música gira en torno a la improvisación, así que si estás pensando “quiero tocar esto” o “quiero hacer aquello esta noche”, estás eliminando cualquier momento que pueda surgir de forma natural y que podría ser mejor que cualquier cosa que hayas planeado antes de subir al escenario.
Intento no estar fuera de la música ni tener expectativas hasta que estoy dentro de ella. Mi objetivo es inspirarme en lo que sucede en el escenario de manera natural. Por eso no me gusta escuchar lo que tocamos en un concierto la noche anterior o una semana antes. Buscamos crear algo nuevo cada noche. Nuestro concepto siempre ha sido descubrir cosas nuevas como banda y crear en el momento cosas inesperadas.

P: Las palabras “miedo escénico” deben ser desconocidas para ti.

Después de 40 años tocando, realmente no me pongo nervioso. La última vez que sentí algo parecido fue cuando participé en una competencia a los 17 años. Quería ganar de verdad, y gané.
De hecho, conmigo suele ser lo contrario: normalmente antes de subir al escenario me siento muy cansado, casi como si pudiera quedarme dormido. No hay ansiedad, y desde fuera incluso puede parecer aburrimiento. Supongo que es mi forma de prepararme energéticamente para lo que voy a entregar después.

P: Estás constantemente de gira. ¿Cómo te sientes hoy cuando te llaman y te dicen: “La próxima gira mundial ya está cerrada”?

Me dedico a esto para vivir, así que si no hago giras, no gano dinero y no puedo pagar mis cuentas. Tengo esposa y una hija pequeña a las que tengo que mantener económicamente. Así que es una mezcla de cosas. Por un lado, pienso: “Genial, tengo trabajo, entra dinero”. No pienso en lo duro que será hasta que realmente tengo que irme. Viajar, eso sí, es muy agotador.

P: Al viajar tanto por el mundo, ¿a veces experimentas choque cultural?

No tanto, porque empecé a viajar desde muy joven. En mi primer viaje fuera del país, al Festival de Jazz de Montreux con el combo de mi escuela secundaria, debía tener 13 o 14 años. De regreso, y hoy no puedo imaginar que los chicos hagan esto, tuvimos una escala de una noche en París y salimos a fumar cigarrillos, comprar marihuana y beber cerveza. Cosas de chicos, ya sabes.
El siguiente viaje fue quizá un año después, dos semanas en Japón, y eso sí fue un choque cultural. Hoy, a mi edad, he estado en todos los continentes excepto la Antártida. He visitado todas las grandes ciudades del mundo, así que cuando la gente me pregunta “¿Dónde has estado?”, me gusta decir:
“¡Me sería más fácil decirte dónde NO he estado!”
Es divertido, porque he aprendido mucho sobre culturas e idiomas. Cuando te acostumbras a diferentes husos horarios, climas, religiones y culturas, empiezas a darte cuenta de lo similares que son los seres humanos a pesar de todo eso. La gente tiene muchas más cosas en común de lo que cree.

P: ¿Sientes que el mundo está un poco, digamos, en llamas en este momento?

Creo que lo que está pasando ahora es que los humanos tenemos demasiado acceso a la información. En el pasado también ocurrían cosas horribles, pero no te enterabas de ellas cada minuto, todos los días. Hoy tomas el celular, entras a Instagram y ves toda la mierda horrible que ocurre en el planeta.
Ver cómo otras personas perciben el país del que vengo, y viceversa, me hace entender que hay que investigar a fondo para no caer en la trampa de ver las noticias y creer que esa es la realidad. Porque no lo es. Cuando era niño, durante la Guerra Fría, los maestros y los medios nos decían cómo pensar sobre ciertas cosas. Hoy visito esos lugares y hablo con la gente real que vive allí, y puedo decir que era pura basura lo que nos contaban.
Incluso en mi ciudad, Los Ángeles, pasa lo mismo: tuvimos incendios bastante graves recientemente, pero teniendo en cuenta lo grande que es LA, solo afectaron a dos distritos pequeños. Sin embargo, sales de LA, enciendes las noticias y parece que toda la ciudad está ardiendo. ¡California ha tenido incendios toda mi vida!
Creo que es muy valioso no reaccionar con miedo o ansiedad ante lo que se nos presenta, sin importar de dónde venga la información. Lamentablemente, todos estos dispositivos mediáticos están impidiendo lo que la mayoría de las personas en el mundo quiere: llevarse bien, comunicarse, no reaccionar de forma exagerada. Tenemos que encontrar maneras de desconectarnos; de lo contrario, como humanidad, no vamos a sobrevivir.

P: Te has convertido recientemente en padre. ¿Eso te ha cambiado emocionalmente?
Absolutamente. Convertirme en padre es probablemente la experiencia más única que he tenido en mi vida. Definitivamente no estaba preparado para cómo me iba a sentir ni para la conexión que tendría con mi hija. Es un nuevo capítulo que no vi venir, aunque siempre quise tener hijos. Pero ahora está aquí: ¡esta nueva persona que crece todos los días y alcanza hitos constantemente!
También es jodidamente duro, pero al mismo tiempo hermoso e increíble. Hay momentos en los que piensas: “¿Cómo voy a sobrevivir mañana?”, y otros en los que dices: “¡Ojalá esto nunca se termine!”. Es todo. Una experiencia salvaje, difícil de explicar, pero que te vuela la cabeza. Y mirando al futuro, puedo revivir mi infancia siendo adulto. ¡Es una nueva pasión!

P: Muchas gracias por tu tiempo, Tony.